李瑄的部落格

每次評入學考和術科期末考的時候都要哀嘆學生不重視基本功，音階琶音老是拉得七零八落。大部分的學生都排斥練習音階琶音，雖然已經屢屢強調音階琶音是練習曲子的基礎，學生們還是感受不到音階琶音跟音樂有什麼關係。

學生不愛練音階，因為它枯燥乏味，看起來沒有什麼用。確實，以目前一般的器樂教學(尤其是絃樂)的過程中，練音階是練音階，練曲子是練曲子，教材與教學的過程並沒有把音階的練習和樂曲的實際應用連結在一起，因此，不用練音階也可以一個音一個音地把曲子硬K起來，之後，練音階對學生來說只是用來應付考試而已。為了"導正視聽"，我要在這裡舉出音階琶音到底跟樂曲有什麼關聯。

練習音階是為了孰悉調性。舉例來說，一首G大調的生日快樂歌就是由G大調裡面的音符組成，所以一個對樂器還不太熟的人就會先熟悉G大調的指法，之後在演奏生日快樂歌就流暢得多。另外，如果對各個調的音階都很孰悉，那麼在轉調或移調時就可以直接轉換指法，免去算音符的麻煩。這種模式在移調樂器非常普遍，但是我們絃樂是C調概念，所以在練音階的時候常常用死背的方式，練曲子之前也不先走相關調性的音階熟悉調性，因此我們在演奏曲子的時候是沒有調性感的。用音階用得很多的人-以貝多芬為例，他的小提琴協奏曲裡面就有一大堆音階：如下圖譜例，第一樂章在獨奏一出來的那個八度音分解和弦之後就是一連三個下行音階，而且是D大調的音階：

如果先練習幾次D大調音階再拉奏這個開頭的片段，就會很清楚地發現貝多芬不過是用D大調上下來回跑來跑去而已，哪裡需要一個音一個音地練習呢？

另外一個音階使用很氾濫的例子就是柴可夫斯基。我最熟的第五號交響曲裡面到處都是音階。不僅僅是樂句充滿音階，不同的樂器聲部還此起彼落地演奏音階，如以下的譜例，第一樂章第41小節，豎笛與低音管其奏的主題旋律即是一個e小調音階從主音到下屬音的上行又下行。

所有的提琴專家都知道，提琴學得好一定要從小開始學，一般來說我們認為4~6歲是最好的時機，鈴木教學法的祖師鈴木鎮一認為這個時期的小孩子對於感到興趣的活動很喜歡重複不停地玩，例如小朋友常常會不停地唱同一首歌或是旋律，唱到大人快要發瘋了，而這個特性正好是練琴所需要的。另外，幼兒的學習方式和成人不同，他們是經由實際操作中自然養成，不需要理解，也不需要講解，重要的是老師的幫助之下按部就班一步一步地將簡單的動作慢慢”演化”成複雜的動作，而且在這個階段所養成的習慣幾乎可以維持一輩子，這就是為什麼我一再強調基礎的重要性。但是這麼小就開始學琴一定會比較好嗎？除了老師的方法要正確以外，我認為練習的質量有著極大的影響。

練習不是只要大量就好，而是要”正確”。練習的目的是要孰悉正確的姿勢與動作，所以”每一次的動作都正確”比”每個動作都做很多次”重要。另外，這麼小的小孩不管是注意力或是耐力都不可能持久，一次也不可能練很久，所以一次練個二三十分鐘就可以了。動作準確和少量多餐是練習質量的遵循指標。

當然，我們不可能在幼兒這個年紀就放任他們自己練琴，他們需要幫助，最好的方法就是老師帶著練，沒有老師陪練就要由家長陪著練，我教幼兒學生都要求一周上課至少兩次，每次半小時，而且要求家長一起上課，因為他們回家要幫助小孩練琴。這樣子就可以減少他們在練習過程中養出壞習慣。

家長陪孩子練琴也是一門學問，多數的家長畢竟是外行，所以上課期間一定要把老師交代的動作弄懂。在家練習的時候家長要記得自己是”輔助者”，而非”監督者”。對於小孩在演奏中出現的怪異動作要提醒而非責備，如果有某些動作需要反覆練習，必須用鼓勵的方式。

另外，家長們也很擔心要求小孩練琴會使孩子產生抗拒的心理，因為練琴與小孩長期拉鋸是很辛苦的。首先，千萬不要把正玩得高興的小孩叫來練習，應該讓他玩到一個段落結束，之後讓得很清楚地知道前一個時段結束，現在要開始下一個時段的”活動”，這樣他們才不會把提琴和”掃興的傢伙”連結在一起，將來從心底排斥練琴。開始練習後每個練習都要和孩子一起設定目標，在練習的過程中遇到需要反覆很多次才能熟練的段落時要避免使用命令語氣。命令式的”重複十次(或二十次)”會讓小孩會認為是因為他錯了才要被處罰”重複”，應該告訴他”我們多試幾次看看”，在重複多次之後再鼓勵肯定，讓他有信心有成就感。經過練習克服困難並達成目標，這就是一種”具有挑戰性的遊戲”而非”枯燥無味的無聊事”。

上一篇講到學一般樂器共同需要的條件，本篇要介紹學小提琴特別需要的條件：手型、肢體協調度。

光是手型就有很多要求：一般小提琴學生碰到瓶頸的時候常常哀嘆自己的手不夠大，所以很多人認為"大手"是拉小提琴的優勢。其實所謂的"大手"也是講究的，以下的說明把大手定義得更清楚

• 手指的形狀     手指的形狀不只要修長，而且要像竹筍一樣，靠近手掌的地方略粗，到指尖略細，這樣可以使手指按在弦上的時候扎實有力，又不至於按到隔壁的琴絃。指尖必須像一塊肉墊而不是真的"尖尖的"，按絃時手指可以完整包覆住琴絃，這樣的手指形狀才是最完美的。


• 手指的長度     手指長的優勢就是按絃的時候方便擴張，不過要特別關注左手小指的長度，因為小指是很弱的手指，又常常需要伸張出去，所以小指短的人會非常吃力。小指的長度在手掌併攏的時候必須要超過無名指的第二指節線。


• 手掌的長度大小 手掌的比例不能太大，同樣大小的手，若是手掌大，就表示手指短，若是手掌太大，就會嚴重影響到按絃的姿勢與動作了。

學音樂需要有天分，這個想法大家應該都同意，尤其是從"特教"專業來看，音樂"資優"生的鑑定是想要以音樂性向上表現敏感傑出的方式挑出音樂資質優秀小孩再加以培養，才會在考音樂班時需要被"鑑定"。因此曾經有一兩屆音樂班的入學考試成績出現了演奏能力或基礎很差卻以高分進入音樂班的奇怪現象。因為一直以來在入學考的內容與形式上爭議我們到底是在考"資優"還是"績優"，反而把很多學樂器該有的基本認識都搞糊塗了，我不得不在這裡強調，學提琴的條件要求不是只有"音樂性向"，還要具備很多其他的基本條件：手型、腦力、肢體協調等等都是影響演奏非常重要的因素。這些條件若是不好，在學琴的初期也許影響不大，但是學得越久，到了程度需要某種提升的時候，就會遇到瓶頸無法突破，這些是一般教育學者不懂的，提琴老師們也不太去強調的。我希望各位家長在帶孩子學琴之前，應該先有些了解，才能真正幫助自己的小孩在音樂學習和人生抉擇上做適性的選擇。

學樂器通常必備的幾個基本能力如下：音感、節奏感、記憶力三個方面，而拉小提琴通常必備的額外條件還有手型、肢體協調度

先從一般學樂器需要的先天條件來講，音感又分為音準與音色兩種辨別力；節奏感又分為有韻律的節奏與沒有韻律的節奏；記憶力又分為旋律的記憶力與肢體的記憶力

音準：如果小朋友聽到任何簡單的旋律之後可以立即複製，已完全相同的音高唱出相同的旋律，表示音感很好。當然也有音感很好但是唱不出來的，要辨別這一種也很簡單，就是給他聽兩個簡單的旋律或是音高，之後讓他告訴你這兩個音是一樣還是不一樣，音高還是音低。好的音感可以辨別音準，因為音準的人唱歌不容易走調。而在小提琴上面，對音準的要求是極高的，一般音準好的人可以辨別5%的音準誤差，而優秀的小提琴演奏者必須能夠把誤差值降到2%~3%。這樣的能力必須靠訓練以及先天的敏感度。

音色：音樂有不同的感情、色彩，相同的曲調可以有不同的表達方式，讓聽眾感受不同的感動。最基本的差別就在音色變化。同一個音用鋼琴彈和薩克斯風吹是不一樣的，一個音感很好的人要能辨別音色細微的變化，就像潛艇的聲納系統，可以探知擋在前方的物體是鯨魚還是另一艘潛艇。厲害的作曲家可以用不同的樂器組合產生不同的效果，例如拉威爾的波列露舞曲，相同的旋律重複了N次卻一點也不無聊。這個能力可以用最基本的方式來探知：如果你連摩托車跟汽車的引擎聲音都分不出來，那還是不要學樂器比較好。

不知道為什麼，現在很多小提琴學生都沒有養成固定練習的習慣。大部分的小提琴學生都只有在"需要練習的時候"才練習。在一般人的觀念裡，練琴是為了練習一首曲子，或是為了準備一個表演，抑或是準備考試而練，沒有比賽、表演、考試的時候就不練琴了。這樣的觀念很糟糕，如果只是業餘愛好者也就算了，可是這個觀念現在似乎已經擴及音樂專業領域的學習者，怪不得現在音樂班音樂系學生的程度走下坡，因為大家都把學樂器當成念學科：功課做完就好了。

殊不知想要當提琴家音樂家是需要生活在音樂裡的。如果你們念音樂系跟念一般科系一樣，覺得應付完學校的課業和考試，畢業以後就可以應徵交響樂團或是音樂科班老師的工作，這樣真的會讓人笑掉大牙的！音樂的藝術性需要陶冶，演奏的技術需要不間斷的淬鍊，這些都需要很長時間養成。學音樂跟練功夫一樣，需要"蹲馬步"，在練功夫裡面蹲馬步是第一門基本功，要天天蹲，而且蹲很久，這一步做得越札實，體力越好、下盤越穩，練招式的時候越容易使力。練提琴也是一樣，基本姿勢要標準、固定，基本的運指、運弓要確實，這些基本動作必須天天練、年年練，長期累積下來所發出的聲音才會札實、靈活。說真的，有"功力"的人光是拉一聲空絃就跟一般人不一樣了。

我已經很久沒有碰過有固定在練練習曲的學生，現在的學琴市場太遷就"買方"，只想拉曲子，不想"練功"，家長覺得練那些沒用，又不好聽，為什麼不能用曲子練技巧？就是因為這樣，有許多的基本動作和技巧沒有生根，造成後面進階技巧沒辦法做。許多的練習曲有它在技巧鍛鍊上的針對性，必須集中、反覆且長時間規律地重複這些動作，才能慢慢"內建"為下意識可以操控的動作，如此才能結合其他動作組合成更艱難的技巧。現在大學音樂系的學生沒辦法拉雙音音階就是最好的例子，碰到三度雙音就完蛋，這樣怎麼拉多聲部的曲子？甚至連幾個連續的和絃都拉不完全。這樣的能力想當提琴家豈不是痴人說夢！

練習，必須是有系統、固定、規律且長期的。簡單的說，同樣練習30個小時，練十天每天三小時的效果絕對強過三天每天練十小時。就跟養生做運動一樣，固定天天做，數十年如一日，身體自然勇健。如果每天練一小時的慢速的音階琶音，專注在音準、音色的穩定度、按指動作的規律、換把位的放鬆靈活等等重點，當作拉琴的熱身運動，持續五年、十年，基本技巧的功力自然可以累積起來。我自認右手技巧不錯，就是歸功於天天練習五種基本弓法，持續了五年所得來的成果。要說有多辛苦其實也沒有，不過是每天多花了20分鐘而已啊！

想要拉得一手好琴，長期、規律的練習是必須的。不要再用短視的方法，靠曲子、比賽做目標來練琴，要用五年、十年的長遠目光來安排所有該學習的進度才是對的。

近來有一則新聞報導，指出在少子化的陰影下，許多校系都面臨招生不足的困境，但是卻有一些科系逆勢成長，其中漲幅最大的竟然是音樂系，這令我非常驚訝。我一直在音樂系任教，以往一直聽到系主任們在為此擔心，沒想到音樂系竟然拚到前面去了。不過畢竟報導的記者不是學音樂的，因此有些關鍵問題並未著墨。

最近幾年來我所任教的幾個音樂系並沒有招生不足的現象，但是明顯有平均程度下滑的狀況。尤其是這兩年，許多音樂系的新生裡面，非音樂班的學生增加了，甚至多過音樂班畢業生。這個現象就很明顯了，就是音樂系的新生人數量沒有減，但是學生的組成背景已經改變了，這一點新聞記者並沒有去探討。

在訪問幾個招生成果不錯的學校裡面，基本上可以歸納出幾個成功因素：1.降低入學門檻, 2.改變招生方式, 3.調整課程內容

降低入學門檻是最快速有效的方法，這樣招生人數很容易就滿額，因為把以前進不來的學生都收進來了，但是這種措施伴隨著嚴重的副作用，因為許多學生的基本能力還處於未經訓練的狀況，導致學生的程度落差懸殊，造成許多老師教學困難。因此呈現學生平均素質下降的現象。這種"降價求售"的方法顯然是短視的，如果沒有相應的配套措施，這樣只會把自己的系搞爛搞臭，這樣的作法只能是暫時的，不可持久。

有幾個學校的招生思維改變了，因為較偏遠的音樂系不可能有條件和都會區的前三志願學校搶學生，因此在選材上脫離了原本術科聯招的模式，採用自己的招生方式來挑適合自己學校的學生來念。比如說讓考生寄自己的演奏影片來申請，而且內容完全不規定形式與曲目，讓考生自己表現他最拿手的項目。我覺得這樣的形勢也是一種創舉。因為音樂天分並不侷限在主副修樂器演奏和視唱樂理聽寫，許多素人音樂家都非常優秀，但是因為沒有接受過音樂班式的訓練，就與音樂深造絕緣了。現在這種類似選秀的評量方式就可以讓他們充分發揮所長，至於理論和其他需要的音樂基礎技能可以進學校以後再補強。當然，用這種方式進到音樂系的學生，是否能適應傳統音樂系的課程壓力，那就要看學校是否有星硬的輔導機制或課程調整了

每年都舉辦的"全國學生音樂比賽"是每年的音樂盛會，全國學音樂的學生、樂團、合唱團都會在長時間的辛苦準備之後前來共襄盛舉，除了競賽，也互相觀摩。這個比賽對於參賽者與學校來說是極為重要的"年度大拜拜"。這個由教育部主辦的比賽宗旨是提升社會的音樂風氣、促進音樂文化的交流與成長，不過在升學主義掛帥的台灣，多年來比賽越辦越歪，為了避免抗議，規則和視野越改越小，從制度到場地到參賽的學生甚至是擔任評審的老師處處充滿了荒謬，造成了全台灣音樂學習環境的惡質化，原本是很好的一件事，現在變成了大家都覺得很糟但是卻不得不每年跟著玩(或被玩)的畸形現象。

每個比賽都應該是有明確的宗旨與目標，根據比賽的性質來訂定比賽的規則與內容，可是我們的"全國音樂比賽"的做法卻看不出它到底是要選出真正優秀的音樂家還是只是要讓大家來熱鬧一下就好。依照常理判斷，全國性的比賽應該是要選拔出最優秀的音樂家，就像台灣區體育競賽一樣，選拔出來的選手就有資格當國手。可是音樂比賽好像就不是這樣子。指定曲目常常沒有鑑識度(讓不同程度的人同場競技根本就不公平)、報名沒有篩選(連沒有準備好的學生也可以上台)、A組(音樂班組)與B組(普通班組)曲目沒有區分。這些規定造成比賽時參賽者眾多卻良莠不齊，有很多程度明明不夠或者是根本沒有認真準備的都跑來湊熱鬧，在台上演奏得亂七八糟，甚至是演奏到一半就無法繼續，呆站在台上下不了台，這樣子的比賽根本就是在開教育的倒車，浪費資源、耽誤大家的時間。向主辦單位反映，得到的答案卻是"鼓勵大家參與"。如果只是要大家參與，那就不應該辦比賽，應該辦音樂嘉年華才對啊！既然要辦比賽就應該鼓勵最優秀的選手出來競技，讓大家看到台灣的優秀音樂家激烈競爭，這樣的比賽才會精彩，才有互相觀摩、交流的價值啊！

比賽場地不佳也是為人詬病的一點。台灣各縣市都有文化中心，有些甚至是擁有國際水準的專業音樂廳，可是音樂比賽的舉辦場地卻時常選擇在體育館或是多用途的大禮堂進行。這些場地不是專門用來辦音樂會的，所以音響效果不是回音殘響太大就是吸音吸得很乾，又沒有給時間去預演適應場地，對還不是職業等級的演奏者來說很難立即適應。做個對比，全國中學運動會的四百公尺徑賽你拿一個兩百公尺的操場來比，或是拿一個兒童遊樂池給大家比游泳，這說得過去嗎？在一個完全不適合演奏的場地辦比賽，選手如何能發揮潛力、完美演出？評審又如何能夠客觀評斷他們的演奏？既然是年年都要辦的比賽，每個縣市就應該把專業的文化中心檔期保留下來，文化中心本來就應該是讓本地縣(市)民優先使用，不是嗎？

每到九月，各縣市的比賽承辦單位就會瘋狂打電話找評審，有的人打了上百通電話評審還找不齊，如此的現象不是因為教授人數不夠，而是大家不願意去當評審。評審原本應該是一項帶有高榮譽、非常受尊重的職務，我們卻避之唯恐不及！其中一個原因就是賽程的安排非常荒謬。因為參加比賽的人實在太多，在有限的時間裡必須要完成比賽，所以只好縮減每個人的演奏時間，平均來說，每個人最多只有五分鐘，其中指定曲演奏一分半，自選曲演奏三分半。一些熱門樂器組別像是鋼琴、小提琴、長笛，參賽的人數常常破百！每個時段三個半小時要聽三四十個人演奏，常常聽不完，必須"延長加賽"。人數這麼多，遇到實力相近的演奏者根本記不住，演奏很糟糕也不能立刻叫他下台，而且大家都演奏同一首指定曲，評審一整天下來，不但要忍受長時間的疲勞轟炸，聽了幾百遍的指定曲也成為諸位評審揮之不去的"噩夜琴聲"！

限制演出時間對音樂教育產生了非常負面的影響，因為這樣，許多學生、家長和老師就只準備演奏三分半，只在乎這前面的三分半要練到完美，後面的段落完全不練。荒謬的賽制助長了參賽者的投機心理，造成了學習以及教學的歪風。我不知道為什麼這麼多的批評教育部仍然故我，參賽資格連最起碼的要求都沒有，還拿一些不食人間煙火的理由搪塞，我想請問如果音樂比賽不必演奏完整的曲子，那麼田徑比賽是不是也只要跑一半就決定第一名？這麼荒唐的事竟然還視為理所當然！

音階是練樂器的最基本技能，學習所有的樂器都要練習音階，這個觀念大家都知道。但是每當考試的時候，學生們常常在自選曲的部分表現亮眼，在音階的部分表現卻判若兩人。學生們很明顯不喜歡練習音階。學生們的心態我是：音階琶音很無聊，而且感覺花那麼多時間練習卻不覺得有多大的用處，反正只要能應付考試就好，音階不熟練曲子一樣可以練好。這個扭曲和矛盾心態一直是老師們的困擾，如何讓學生們從內心自發地體認音階的重要性，是老師們的一大挑戰。

首先我要先指出現在的小提琴教學裡面，在音階的部分是有些問題的。學生之所以會不喜歡練習音階有幾個原因：第一個是因為音階很簡單又很討厭-音階是非常簡單而且機械化的的上下行音形，但是卻有許多調性，升降記號越多越麻煩、越不容易掌握音準，因此，練音階很無聊又麻煩。第二個原因是它沒有用-老師們都說音階是所有演奏技巧的基礎，但殊不知許多人沒有練音階協奏曲也是拉得嚇嚇叫，而且在曲子當中也看不出來不會音階有什麼影響。

造成這些錯誤觀念的原因是因為錯誤的練習觀念。大部分的學生練習音階是因為要應付考試和老師的要求，而非因應音樂上的需求。在這個觀念指引之下，學生練習音階的時候都是死背所有的音符，而不是順著調性的感覺聽音，這樣一來，所有的升降記號都沒有任何意義、所有的音符也是各自獨立沒有關係，結果演奏出來的音階完全沒有調性音樂該有的和諧度。在這種狀態下練習，音階跟實際的音樂就沒有任何的相關度，所以練再多的音階對於演奏也沒有任何實際上的幫助。

我認為練習音階要從”熟悉調性”的角度切入。舉一個很簡單的例子，大家都會唱生日快樂歌，而且不管這首歌的起頭是哪一個音，大家都可以唱出相對應的正確音準，這就是調性熟悉度。練習音階也是一樣的道理，以首調的方式唱DO-RE-MI-FA-SOL-LA-TI-DO，但是起頭的DO可以用鋼琴上的任何一個鍵代替，自然所有該調整的音程都可以對應出正確的位置(中音和下屬音是半音音程、導音到主音也是半音音程)，而且自己就可以聽出來哪個音是不符合調性的，如此一來，音階其實只有大小調之分，沒有升降記號多少之分。既然不用特別去死背升降記號，音階也就沒有難易之分了。

不管是哪一個音，都可以成為主音並形成一個大調音階和一個小調音階，因此我會訓練學生用平行調而非關係調練習音階，利用關係調訓練學生隨時以任何一個音符為主音演奏出一個大調音階或一個小調音階。在熟悉這些音階之後又訓練學生用關係調的順序連續演奏，就會形成五度循環的連續音階，以此訓練學生調性的敏感度與適應力。

最近這些年，很多人都覺得我們的社會沉淪墮落了，我們常常遭遇到許多不公平、不公義的對待：音樂家(藝術家)不被尊重、OOO不尊重我、我們要尊嚴…等等。小至個人，大至國家，我們都覺得我們正在喪失尊嚴。我們都要很努力才能維護自己的尊嚴，看起來要活得有尊嚴真的很辛苦。可是，我認為尊嚴是無法靠”爭取”得到，而是要靠”贏取”的。

因為尊嚴是靠別人尊敬我們而產生的，我認為尊嚴的建立無法向別人爭取，而是透過自己的所作所為，引起別人共鳴感動進而感佩尊敬。其實要贏得旁人的尊敬並不需要做什麼豐功偉業，仔細看看我們的四周，必定有許多值得尊敬的人，有許多人在自己的工作崗位克盡職守，做好每一件事情，可以贏得同事的尊敬；有些人甚至把關懷拓展至工作與家人之外，因此贏得了更多人的尊敬。好老師、好司機、好技工、好老闆、好鄰居…等等，這些人都會因為大家的尊敬而有尊嚴。

我的博士班老師Ronald Patterson是二十世紀小提琴大師Jascha Heifetz在南加大時期的學生，又在歐美的職業交響樂團當了三四十年的首席，他的閱歷豐富、音樂修養極高，但是他從不擺架子。有一年他來台灣訪問，我為他在台北和台中安排了幾堂大師班，因為他在台灣沒有知名度，所以音樂班的師生奏沒有熱情地歡迎他，但是每一次上完課之後，大家都爭相與他握手合照，大師班前後的氣氛真是天差地別。後來我問他:一開始他們表現得這麼冷淡你怎麼都不生氣？他回答我：因為他們不認識我，對我猶如陌生人，這是很正常的。所以他們要觀察我、考驗我。當他們從我這裡得到啟發之後他們就會喜歡我了。人們對我沒有表示尊敬是因為他們不認識我，但是當他們認識我之後就不會這樣了，所以我從來不在乎這件事。他的話給了我很大的啟發，原來受尊重與否並非來自他人主動，而是我們自己的所作所為是否值得他人尊重。

古人說得好：”人必自侮而後人侮之”。就是說，一個人必然是先對自己不尊重，才會遭來別人的輕視。我們在電視新聞上常常看到狂飆店員的奧客，這些人都覺得自己沒有受到應有的尊重，可是，即使是狂飆之後得到了補償與道歉，這會是真心的嗎？也許這些人真的得到了勝利的滿足感，但是他永遠無法得到真心真誠的尊敬。

所以話又說回來，若要活得有尊嚴，最好事先”自重”，其實就是先從自己做起，我們先尊重別人，對人要有禮貌、對別人說話要有同理心。現代人與人的接觸時間都非常短，我們無法在三分鐘之內看出來這個人是不是很至德尊敬的人，但是我們可以感受到這個人是不是有禮貌、有善意的人。大家都會從對方的肢體動作與臉部表情得到許多訊息，如果我們傳遞了不友善的訊息，就會得到不尊敬的回應。如果我們常保微笑、常說好話、常常讚美別人，就會常常得到相同的回應，在這個正向循環之下，我們不但自己會過得越來越快樂，也會影響周圍的人，讓大家都變得更快樂！

近年來國小音樂班的報考人數年年下滑，「報名人數比錄取名額還少」的現象已經不是新聞，音樂班的主任以及老師們無不唏噓，一方面感嘆曾幾何時，炙手可熱的音樂班窄門已經門可羅雀，另一方面也擔心自己飯碗不保。音樂界確實是有那麼一點灰暗慘淡的絕望氣氛。

為什麼報考國小音樂班的學生劇減，有些人認為是因為少子化現象使得學生人數減少，這個論點我並不是很贊同，我們常常擔任比賽評審，民間比賽的報名人數很多，每年的全國學生音樂比賽B組（非音樂班組）不論在質與量上都有超越A組的趨勢。有人覺得學音樂太貴，這我也不贊同，現在音樂老師比以前多，而且各種背景、各種資歷、各種收費的老師都有，而且樂器也比以前便宜，相比十年前，學樂器的門檻已經大為下降。事實上學樂器的人確實有增加的趨勢。從台北市學生音樂比賽的絃樂合奏組就可以看到B組學校數、學生數都很多，水準也很高，競爭極為激烈；而其他縣市也多有民間社團式的絃樂團、管絃樂團。為什麼學樂器的人增加了，卻選擇不去念音樂班，這才是我們應該要關心的。

從大環境來看，我們可以說，台灣經濟不景氣，確實影響了藝術專業人才的出路。專業藝文團體必須要靠票房、靠政府補助和民間贊助才能維持，近年來補助減少、民間企業薄利化，裡裡外外都減少了藝文活動的資金來源。「投報率」的考量確實動搖了家長讓孩子投入藝術人生的決心。

還有一個極為重要的因素需要討論，就是教育觀念已經改變了。現在的教育講求適性、多元，小學階段應該是以啟發思考、開發潛能、搜尋性向為主。像音樂班這樣的專門科別從小學三年級開始做專業分流，如果這麼小就做這樣的人生決定會不會讓孩子將來喪失了人生方向的選擇權？如果不願意從小就決定，那麼又要顧術科又要顧學科，對小孩的壓力是不是太大了一點？因此許多家長及教育學者都持保留態度。

綜合以上的觀點，學樂器對一個孩子的身心發展是有益處的，但是不一定要變成「音樂專業」。如果讓孩子留在普通班，那麼他們可以在「正常」的學習群體中和其他學生一樣「正常」學習，不需要像音樂班一樣犧牲一些其他的科目來容納音樂專業課程，但是在課餘的時間仍然可以學樂器、參加樂團或合唱團，一樣培養一項有益身心的嗜好，如果學得好將來仍然可以報考音樂系接受正式的音樂專業訓練。抱持這樣觀點的家長們，認為留在普通班，用課餘時間學音樂才是進可攻退可守的最佳選擇。

依照我這些年來的觀察，我發現大多數的演奏者在演奏時都忽略了兩手的放鬆關鍵就在大拇指。  

以左手來說，為了穩定持琴，一般初學者的大拇指常常緊緊地扣住琴頸，不然就是虎口（大拇指和第一指之間）夾住琴頸，這樣一來，琴就可以穩穩地掌握在手上，不會掉下來也不會搖晃。但是這樣緊的持琴方式卻因為用力過多而嚴重地影響了左手的靈活度，造成了將來學習換把位的困難度。穩定的夾琴與放鬆靈活的持琴姿勢是奠定左手靈活度的基礎，當學生開始面臨大距離的換把位或是繁複的和絃進行時左手一定要處於隨時準備移動、換位置、換手型的狀態，這個時侯才發現左手不聽使喚就已經太遲了。

右手方面，我發現大約九成以上的演奏者右手的大拇指是直的，包括了許多老師在內都是這樣。右手的大拇指應該要彎曲，放眼所有的教本在教右手持弓的時候都是這樣講的，不信可以去翻一翻這些教本的圖例。右手大拇指若是僵直，可以使整個右手掌都僵硬起來，嚴重的人連手腕都動不了。和左手一樣，這些小缺點在初學階段都不致於對演奏造成影響，但是如果就這麼放任學生以這些壞習慣繼續練下去，這些學生大部分在篠崎第四、五冊左右就無法再進步了，就算能把所有的音都拉出來也沒用，因為不能變換音色、無法作音樂、也無法演奏出好聽的聲音。  

所有已經在拉琴的人都應該停下來檢查一下自己的兩隻大拇指；所有的老師也應該要嚴格堅持要求學生把兩手的基本姿勢做正確，不要為了趕一時的進度而壞了將來發展的機會。

許多教提琴的老師都感嘆現在學提琴的學生很難教，學生多半不願意規律地練琴。老師希望學生能夠有好的表現，所以就會逼迫學生練很多的技巧與練習曲，可是一般的學生對於枯燥的教材與長時間的練習充滿排斥，與老師拉鋸的結果是無窮無盡的責備與挫折，最後當然是不了了之，學生不但不再拉琴，甚至從此遠離音樂。有許多人在問，學提琴只是為了要當興趣培養嗜好，為什麼要那麼嚴格？如果只是學興趣就這麼枯燥，那要怎麼當嗜好呢？面對這樣的難題，我認為老師需要做一些觀念上的調整。

在前面的文章裡我解釋過小提琴是一件很困難的樂器，如果要能夠拉奏一手好琴，確實需要札實的基礎與無窮盡的練習，不過這是以學生嚴肅看待提琴為前提。傳統的小提琴教學是以”師徒”的關係為中心，老師傳授徒弟畢生絕技，徒弟繼承老師的衣缽繼續傳承、進步甚至發揚光大。因此三百年的發展下來，我們累積了許許多多各式各樣的技巧練習、練習曲等等的教材，各自針對不同的技巧與音樂素養進行目標明確的訓練，這些教學的教材、教法，我戲稱是在培養「神鬼戰士」，這是完全鍛鍊菁英的方法，這種方法適合用在天分高、學習強、專注力持久、對音樂充滿熱情與熱愛的人身上，如果可能的話，越小開始越好。歷史上偉大的小提琴家多半是這樣訓練出來的。傳統的教學方式是非常集中而有效的訓練，如果學生可以投注大量的精力開發音樂能力，當然會很有成果。不過，以目前台灣的環境來看，這樣的方法絕對不適用於大部分的學生。

我相信沒有人在上第一堂小提琴課之前就已下定決心要當小提琴家。大家都是抱著試試看的心情開始，如果有天分有興趣才繼續，而更多的家長也只是覺得如果小孩會拉琴、喜歡音樂，希望孩子會拉琴之後能夠獨樂樂，也能眾樂樂，有個嗜好讓生活更充實，這樣很好。因此在初學這個階段，培養興趣是很重要的。這並不是說基礎就不用顧了，而是在要求標準與教材的使用上應該可以寬鬆靈活一點，這是許多提琴老師觀念扭不果來的地方。我覺得提琴老師應該把自己的眼界從「器樂教學」移往「音樂教育」來看提琴啟蒙。我把拉提琴跟打籃球來做一個對比。

打籃球是因為喜歡籃球，不是因為想當國手或職籃選手；愛打籃球的人愛什麼時候打球就什麼時候打球；愛打多久就打多久，而且常呼朋引伴一起去打球、看球賽。因為對籃球的喜愛與投入，常常與人研究切磋，並且自發地練習各種動作與技巧，慢慢就越打越好，打得越好，就愈發地喜歡，最後不但很會打籃球，還懂得各種的戰術應用、球隊經營、球員及球隊歷史，變成一個籃球通。請注意，這個世界有許多的籃球通，但他們大多不是職業籃球選手！籃球運動的風行建立起足夠大的市場，支持了職籃的經營，職籃也相對推動了籃球運動的普及以及周邊產業的發達。如果我們看待打籃球這件事像是看待現在的學提琴一樣，一開始就灌輸他們「打籃球基礎很重要」、「要努力練球將來才有出路」、「技巧練好才有機會進國家代表隊」這一類的觀念會不會太可笑？那為什麼扯到拉琴就不一樣了？拉琴為什麼不像打籃球一樣？

拉琴應該是因為喜歡音樂、喜歡演奏，而不是想當獨奏家、想進柏林愛樂吧？在剛入門的階段基本姿勢跟基礎技巧仍然很重要，但是在此同時我們應該把「練琴」與「享受拉琴」連結在一起，喜歡拉琴就會常常拉琴，而且喜歡拉琴的人要常在一起，和同好一起拉琴、一起研究切磋，拉琴會更有趣，而且可以常常揪團去聽音樂會、一同賞析世界名曲。越喜歡拉琴，就越有耐心鑽研各種技巧；越能演奏，就越深入地研究音樂與演奏，長而久之，大家都變成音樂通，但是這些人因為各種原因沒有進入音樂系，琴也不一定拉的啵兒棒，不是嗎？各位老師，我想問，這些人琴也許沒有拉得很好，但是他們快不快樂？他們的生活充不充實？我們如果在過程中不斷地PUSH、壓迫，是不是很可能就把他們人生中非常美好的一部份消滅掉了？