每次評入學考和術科期末考的時候都要哀嘆學生不重視基本功，音階琶音老是拉得七零八落。大部分的學生都排斥練習音階琶音，雖然已經屢屢強調音階琶音是練習曲子的基礎，學生們還是感受不到音階琶音跟音樂有什麼關係。學生不愛練音階，因為它枯燥乏味，看起來沒有什麼用。確實，以目前一般的器樂教學(尤其是絃樂)的過程中，練音階是練音階，練曲子是練曲子，教材與教學的過程並沒有把音階的練習和樂曲的實際應用連結在一起，因此，不用練音階也可以一個音一個音地把曲子硬K起來，之後，練音階對學生來說只是用來應付考試而已。為了"導正視聽"，我要在這裡舉出音階琶音到底跟樂曲有什麼關聯。
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所有的提琴專家都知道，提琴學得好一定要從小開始學，一般來說我們認為4~6歲是最好的時機，鈴木教學法的祖師鈴木鎮一認為這個時期的小孩子對於感到興趣的活動很喜歡重複不停地玩，例如小朋友常常會不停地唱同一首歌或是旋律，唱到大人快要發瘋了，而這個特性正好是練琴所需要的。另外，幼兒的學習方式和成人不同，他們是經由實際操作中自然養成，不需要理解，也不需要講解，重要的是老師的幫助之下按部就班一步一步地將簡單的動作慢慢”演化”成複雜的動作，而且在這個階段所養成的習慣幾乎可以維持一輩子，這就是為什麼我一再強調基礎的重要性。但是這麼小就開始學琴一定會比較好嗎？除了老師的方法要正確以外，我認為練習的質量有著極大的影響。練習不是只要大量就好，而是要”正確”。練習的目的是要孰悉正確的姿勢與動作，所以”每一次的動作都正確”比”每個動作都做很多次”重要。另外，這麼小的小孩不管是注意力或是耐力都不可能持久，一次也不可能練很久，所以一次練個二三十分鐘就可以了。動作準確和少量多餐是練習質量的遵循指標。
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上一篇講到學一般樂器共同需要的條件，本篇要介紹學小提琴特別需要的條件：手型、肢體協調度。光是手型就有很多要求：一般小提琴學生碰到瓶頸的時候常常哀嘆自己的手不夠大，所以很多人認為"大手"是拉小提琴的優勢。其實所謂的"大手"也是講究的，以下的說明把大手定義得更清楚
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學音樂需要有天分，這個想法大家應該都同意，尤其是從"特教"專業來看，音樂"資優"生的鑑定是想要以音樂性向上表現敏感傑出的方式挑出音樂資質優秀小孩再加以培養，才會在考音樂班時需要被"鑑定"。因此曾經有一兩屆音樂班的入學考試成績出現了演奏能力或基礎很差卻以高分進入音樂班的奇怪現象。因為一直以來在入學考的內容與形式上爭議我們到底是在考"資優"還是"績優"，反而把很多學樂器該有的基本認識都搞糊塗了，我不得不在這裡強調，學提琴的條件要求不是只有"音樂性向"，還要具備很多其他的基本條件：手型、腦力、肢體協調等等都是影響演奏非常重要的因素。這些條件若是不好，在學琴的初期也許影響不大，但是學得越久，到了程度需要某種提升的時候，就會遇到瓶頸無法突破，這些是一般教育學者不懂的，提琴老師們也不太去強調的。我希望各位家長在帶孩子學琴之前，應該先有些了解，才能真正幫助自己的小孩在音樂學習和人生抉擇上做適性的選擇。學樂器通常必備的幾個基本能力如下：音感、節奏感、記憶力三個方面，而拉小提琴通常必備的額外條件還有手型、肢體協調度
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不知道為什麼，現在很多小提琴學生都沒有養成固定練習的習慣。大部分的小提琴學生都只有在"需要練習的時候"才練習。在一般人的觀念裡，練琴是為了練習一首曲子，或是為了準備一個表演，抑或是準備考試而練，沒有比賽、表演、考試的時候就不練琴了。這樣的觀念很糟糕，如果只是業餘愛好者也就算了，可是這個觀念現在似乎已經擴及音樂專業領域的學習者，怪不得現在音樂班音樂系學生的程度走下坡，因為大家都把學樂器當成念學科：功課做完就好了。
殊不知想要當提琴家音樂家是需要生活在音樂裡的。如果你們念音樂系跟念一般科系一樣，覺得應付完學校的課業和考試，畢業以後就可以應徵交響樂團或是音樂科班老師的工作，這樣真的會讓人笑掉大牙的！音樂的藝術性需要陶冶，演奏的技術需要不間斷的淬鍊，這些都需要很長時間養成。學音樂跟練功夫一樣，需要"蹲馬步"，在練功夫裡面蹲馬步是第一門基本功，要天天蹲，而且蹲很久，這一步做得越札實，體力越好、下盤越穩，練招式的時候越容易使力。練提琴也是一樣，基本姿勢要標準、固定，基本的運指、運弓要確實，這些基本動作必須天天練、年年練，長期累積下來所發出的聲音才會札實、靈活。說真的，有"功力"的人光是拉一聲空絃就跟一般人不一樣了。
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近來有一則新聞報導，指出在少子化的陰影下，許多校系都面臨招生不足的困境，但是卻有一些科系逆勢成長，其中漲幅最大的竟然是音樂系，這令我非常驚訝。我一直在音樂系任教，以往一直聽到系主任們在為此擔心，沒想到音樂系竟然拚到前面去了。不過畢竟報導的記者不是學音樂的，因此有些關鍵問題並未著墨。
最近幾年來我所任教的幾個音樂系並沒有招生不足的現象，但是明顯有平均程度下滑的狀況。尤其是這兩年，許多音樂系的新生裡面，非音樂班的學生增加了，甚至多過音樂班畢業生。這個現象就很明顯了，就是音樂系的新生人數量沒有減，但是學生的組成背景已經改變了，這一點新聞記者並沒有去探討。
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每年都舉辦的"全國學生音樂比賽"是每年的音樂盛會，全國學音樂的學生、樂團、合唱團都會在長時間的辛苦準備之後前來共襄盛舉，除了競賽，也互相觀摩。這個比賽對於參賽者與學校來說是極為重要的"年度大拜拜"。這個由教育部主辦的比賽宗旨是提升社會的音樂風氣、促進音樂文化的交流與成長，不過在升學主義掛帥的台灣，多年來比賽越辦越歪，為了避免抗議，規則和視野越改越小，從制度到場地到參賽的學生甚至是擔任評審的老師處處充滿了荒謬，造成了全台灣音樂學習環境的惡質化，原本是很好的一件事，現在變成了大家都覺得很糟但是卻不得不每年跟著玩(或被玩)的畸形現象。
每個比賽都應該是有明確的宗旨與目標，根據比賽的性質來訂定比賽的規則與內容，可是我們的"全國音樂比賽"的做法卻看不出它到底是要選出真正優秀的音樂家還是只是要讓大家來熱鬧一下就好。依照常理判斷，全國性的比賽應該是要選拔出最優秀的音樂家，就像台灣區體育競賽一樣，選拔出來的選手就有資格當國手。可是音樂比賽好像就不是這樣子。指定曲目常常沒有鑑識度(讓不同程度的人同場競技根本就不公平)、報名沒有篩選(連沒有準備好的學生也可以上台)、A組(音樂班組)與B組(普通班組)曲目沒有區分。這些規定造成比賽時參賽者眾多卻良莠不齊，有很多程度明明不夠或者是根本沒有認真準備的都跑來湊熱鬧，在台上演奏得亂七八糟，甚至是演奏到一半就無法繼續，呆站在台上下不了台，這樣子的比賽根本就是在開教育的倒車，浪費資源、耽誤大家的時間。向主辦單位反映，得到的答案卻是"鼓勵大家參與"。如果只是要大家參與，那就不應該辦比賽，應該辦音樂嘉年華才對啊！既然要辦比賽就應該鼓勵最優秀的選手出來競技，讓大家看到台灣的優秀音樂家激烈競爭，這樣的比賽才會精彩，才有互相觀摩、交流的價值啊！
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音階是練樂器的最基本技能，學習所有的樂器都要練習音階，這個觀念大家都知道。但是每當考試的時候，學生們常常在自選曲的部分表現亮眼，在音階的部分表現卻判若兩人。學生們很明顯不喜歡練習音階。學生們的心態我是：音階琶音很無聊，而且感覺花那麼多時間練習卻不覺得有多大的用處，反正只要能應付考試就好，音階不熟練曲子一樣可以練好。這個扭曲和矛盾心態一直是老師們的困擾，如何讓學生們從內心自發地體認音階的重要性，是老師們的一大挑戰。首先我要先指出現在的小提琴教學裡面，在音階的部分是有些問題的。學生之所以會不喜歡練習音階有幾個原因：第一個是因為音階很簡單又很討厭-音階是非常簡單而且機械化的的上下行音形，但是卻有許多調性，升降記號越多越麻煩、越不容易掌握音準，因此，練音階很無聊又麻煩。第二個原因是它沒有用-老師們都說音階是所有演奏技巧的基礎，但殊不知許多人沒有練音階協奏曲也是拉得嚇嚇叫，而且在曲子當中也看不出來不會音階有什麼影響。
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最近這些年，很多人都覺得我們的社會沉淪墮落了，我們常常遭遇到許多不公平、不公義的對待：音樂家(
藝術家)
不被尊重、OOO
不尊重我、我們要尊嚴…
等等。小至個人，大至國家，我們都覺得我們正在喪失尊嚴。我們都要很努力才能維護自己的尊嚴，看起來要活得有尊嚴真的很辛苦。可是，我認為尊嚴是無法靠”
爭取”
得到，而是要靠”
贏取”
的。
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近年來國小音樂班的報考人數年年下滑，「報名人數比錄取名額還少」的現象已經不是新聞，音樂班的主任以及老師們無不唏噓，一方面感嘆曾幾何時，炙手可熱的音樂班窄門已經門可羅雀，另一方面也擔心自己飯碗不保。音樂界確實是有那麼一點灰暗慘淡的絕望氣氛。
為什麼報考國小音樂班的學生劇減，有些人認為是因為少子化現象使得學生人數減少，這個論點我並不是很贊同，我們常常擔任比賽評審，民間比賽的報名人數很多，每年的全國學生音樂比賽B組（非音樂班組）不論在質與量上都有超越A組的趨勢。有人覺得學音樂太貴，這我也不贊同，現在音樂老師比以前多，而且各種背景、各種資歷、各種收費的老師都有，而且樂器也比以前便宜，相比十年前，學樂器的門檻已經大為下降。事實上學樂器的人確實有增加的趨勢。從台北市學生音樂比賽的絃樂合奏組就可以看到B組學校數、學生數都很多，水準也很高，競爭極為激烈；而其他縣市也多有民間社團式的絃樂團、管絃樂團。為什麼學樂器的人增加了，卻選擇不去念音樂班，這才是我們應該要關心的。
從大環境來看，我們可以說，台灣經濟不景氣，確實影響了藝術專業人才的出路。專業藝文團體必須要靠票房、靠政府補助和民間贊助才能維持，近年來補助減少、民間企業薄利化，裡裡外外都減少了藝文活動的資金來源。「投報率」的考量確實動搖了家長讓孩子投入藝術人生的決心。
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依照我這些年來的觀察，我發現大多數的演奏者在演奏時都忽略了兩手的放鬆關鍵就在大拇指。
以左手來說，為了穩定持琴，一般初學者的大拇指常常緊緊地扣住琴頸，不然就是虎口（大拇指和第一指之間）夾住琴頸，這樣一來，琴就可以穩穩地掌握在手上，不會掉下來也不會搖晃。但是這樣緊的持琴方式卻因為用力過多而嚴重地影響了左手的靈活度，造成了將來學習換把位的困難度。穩定的夾琴與放鬆靈活的持琴姿勢是奠定左手靈活度的基礎，當學生開始面臨大距離的換把位或是繁複的和絃進行時左手一定要處於隨時準備移動、換位置、換手型的狀態，這個時侯才發現左手不聽使喚就已經太遲了。
右手方面，我發現大約九成以上的演奏者右手的大拇指是直的，包括了許多老師在內都是這樣。右手的大拇指應該要彎曲，放眼所有的教本在教右手持弓的時候都是這樣講的，不信可以去翻一翻這些教本的圖例。右手大拇指若是僵直，可以使整個右手掌都僵硬起來，嚴重的人連手腕都動不了。和左手一樣，這些小缺點在初學階段都不致於對演奏造成影響，但是如果就這麼放任學生以這些壞習慣繼續練下去，這些學生大部分在篠崎第四、五冊左右就無法再進步了，就算能把所有的音都拉出來也沒用，因為不能變換音色、無法作音樂、也無法演奏出好聽的聲音。
所有已經在拉琴的人都應該停下來檢查一下自己的兩隻大拇指；所有的老師也應該要嚴格堅持要求學生把兩手的基本姿勢做正確，不要為了趕一時的進度而壞了將來發展的機會。
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許多教提琴的老師都感嘆現在學提琴的學生很難教，學生多半不願意規律地練琴。老師希望學生能夠有好的表現，所以就會逼迫學生練很多的技巧與練習曲，可是一般的學生對於枯燥的教材與長時間的練習充滿排斥，與老師拉鋸的結果是無窮無盡的責備與挫折，最後當然是不了了之，學生不但不再拉琴，甚至從此遠離音樂。有許多人在問，學提琴只是為了要當興趣培養嗜好，為什麼要那麼嚴格？如果只是學興趣就這麼枯燥，那要怎麼當嗜好呢？面對這樣的難題，我認為老師需要做一些觀念上的調整。
在前面的文章裡我解釋過小提琴是一件很困難的樂器，如果要能夠拉奏一手好琴，確實需要札實的基礎與無窮盡的練習，不過這是以學生嚴肅看待提琴為前提。傳統的小提琴教學是以”師徒”的關係為中心，老師傳授徒弟畢生絕技，徒弟繼承老師的衣缽繼續傳承、進步甚至發揚光大。因此三百年的發展下來，我們累積了許許多多各式各樣的技巧練習、練習曲等等的教材，各自針對不同的技巧與音樂素養進行目標明確的訓練，這些教學的教材、教法，我戲稱是在培養「神鬼戰士」，這是完全鍛鍊菁英的方法，這種方法適合用在天分高、學習強、專注力持久、對音樂充滿熱情與熱愛的人身上，如果可能的話，越小開始越好。歷史上偉大的小提琴家多半是這樣訓練出來的。傳統的教學方式是非常集中而有效的訓練，如果學生可以投注大量的精力開發音樂能力，當然會很有成果。不過，以目前台灣的環境來看，這樣的方法絕對不適用於大部分的學生。
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